)音乐表演
音乐表演
音乐表演与音乐艺术的发展关系密切。各种体裁样式的出现与逐步多样化，虽有其复杂的社会原因，但与音乐表演手段以及所采用的表演方式具有紧密联系。今日常见的，对音乐体裁的基本分类法，如声乐、器乐、戏剧音乐等就是以表演手段的不同为其依据的。某些体裁的命名也与表演形式有关，如室内乐、大合唱、曲艺音乐等。
音乐表演音乐表演与创作的关系更为密切。最早，表演与作曲是合而为一的。即兴创作与即兴表演就是民间音乐的特点，也是专业音乐家的创作手段。这些传统，在东方某些民族中仍然保持下来。在西方，记谱法出现以后，很长一段时期也仍保持这种状态。文艺复兴以后，专业作曲家与专业表演家才逐步出现分工。到19世纪为止，许多作曲家仍是优秀的表演家(包括独奏家及指挥家)。20世纪以来，这种情况虽已减少，但在创作及表演两个领域都有显著成绩的音乐家们仍不鲜见。音乐表演与创作是相互促进的。在创作过程中，作曲家通过演奏来调整、肯定自己的乐思。作曲家对音乐表现能力的追求推动了表演艺术的进步；演奏技巧的发展也丰富了创作的表现手段。通过表演，从听众的反应中更可以检验作品的社会效果。
对于听众来说，表演不但是欣赏、理解音乐内容与形式的必要手段，也可以从不同表演的比较中欣赏、鉴别、认识由于表演者对乐曲的不同解释而被强调的音乐的某些侧面；同时不同的演奏风格、表演流派，以及表现技巧的提高，促进了听众对音乐的欣赏和理解。
中国古代音乐
黄帝是中国历史上最早的君王，他在五千年前就创造了历法和文字。当时，除了前述的伶伦之外，还有一位名叫“伏羲”的音乐家。传说伏羲是人首蛇身，曾在母胎中孕育了十二年。他弹奏的琴本来有五十根弦，但由于音调过于悲伤，黄帝把他的琴断去一半，改为二十五弦。在黄帝时代的传说中，还有一位名叫神农的音乐家，据说他是牛首蛇身。神农曾教人耕作五谷，曾遍尝百草而发现医药，还曾经创造了五弦琴。因此可以理所当然地设想，当时的音乐用的是五声音阶。
音乐表演现代考古发现已把中国音乐表演的历史，从黄帝时代大大向前推进枣其历史远比黄帝时代古老！1986年~1987年，在河南省舞阳县贾湖村新石器遗址发掘出了随葬的至少16支骨笛，据碳14测定，这些骨笛距今已有8000?9000年之久！这些骨笛用鹤类尺骨制成，大多钻有7孔，在有的音孔旁还遗留着钻孔前刻划的等分标记，个别音孔旁边另钻一小孔，应是调整音高用的。这些情况起码说明，那时人们已对音高的准确有一定要求，对音高与管长的关系也已具备初步认识。经音乐工作者对其中最完整的一支所作测音可知，号称以五声音阶为主的中国，其实早在七、八千年之前，就已具备了有着稳定结构，超出五声的音阶形态了。（这一历史事实说明，中国音乐后来以五声为主，并不象有人臆想的，是所谓“音阶发育不完善”，而是一种历史的、审美的选择结果。）这也证明当时的音乐已发展到了相当高的程度，远远超出人们的想象。在这之前，中国音乐一定还存在一个漫长的历史时期，这段时间以千年还是以万年计，现在难以猜测。
除骨笛外，新石器时期的乐器，还发现有骨哨、埙、陶钟、磬、鼓等。这些乐器分布于中国广袤的土地上，时间跨度也很大，说明它们是中国原始时期的主要乐器。其中钟、磬、鼓在后世得到了极大的发展，至于埙和哨，还有与骨笛形制、原理相同（今天称为“筹”）的乐器，甚至直到今天仍存活于民间。
在中国古代，有关音乐方面的书籍不下三百种。孔子是春秋时期著名的教育家，同时又是一位音乐家，他曾写过许多论述音乐的随笔，可以在论语中看到他对音乐的一些评论。孔子在古琴方面的造诣很高，他能自己作曲，并把悲哀与欢乐付诸琴韵之中。孔子把琴艺亲自传授给弟子，在他的三千弟子中，通六艺者就达七十二人。他的教学内容，可称为“诗、书、礼、乐”。“礼”是谓理天地阴阳之秩序，“乐”即取得和谐。在孔子的哲学中，道德与音乐居于同等地位，他提倡的是以音乐来提高品德。
原始时期的音乐表演和舞蹈密不可分，中国最迟在公元前11世纪，中国已称这种音乐舞蹈结合的艺术形式为“乐”，甚至在音乐舞蹈各自成为独立的艺术形式之后，“乐”仍既可以指舞蹈，也可以指音乐，一直保存着它的模糊词义。今天“乐”已专指音乐，所以学者通称原始时期的“乐”为“乐舞”。现存的有些原始岩画非常生动地描绘了原始乐舞的场面，那是一种群体的歌舞活动。据后来文献保留下的片断“记忆”可知，原始乐舞的举行跟祈求丰年等祭祀是“一而二，二而一”的事，因此其中必然包含有生产活动的再现成份。
原始时期，乐舞并不成其为社会分工对象，原始社会不存在专职的乐工，乐舞一般是部落社会的全社会活动。因此，原始时期的乐舞，并没有以专门的艺术形式的面貌和身份，从社会上独立出来。严格地说，到大约公元前21世纪夏代建立以后，乐舞才真正作为一种社会分工，从社会中取得独立。传说夏代初期的国君启和最后的国君桀，都曾用大规模乐舞供自己享乐，说明终夏一代，社会已造就出一大批专职的乐舞人员，这正是乐舞作为艺术而独立于社会的标志。
浪漫主义音乐的发展史
一、浪漫主义音乐的形成
音乐表演初期的浪漫主义音乐与其它姊妹艺术一样，也是发自欧洲“启蒙时代”的思想和法国大革命的自由民主思想，它比文学中的浪漫主义要晚数十年。贝多芬的晚期作品已成为初期的浪漫主义的先驱，其后的作曲家们皆可归为浪漫派。从时代上讲，十九世纪中叶是浪漫主义音乐的全盛时期。
二、浪漫主义音乐的代表人物
在古典派作曲家贝多芬、罗西尼和韦伯的晚期作品中，已经明显流露出浪漫主义音乐的风格，正是他们开创了浪漫派的先河。1800年前后出生的作曲家们，形成了初期浪漫主义的中心。舒伯特和柏辽兹可谓初期浪漫派音乐的代表人物，他们从格鲁克、海顿、莫扎特和贝多芬的传统出发，形成了自己独特的流派。后来，浪漫主义音乐经过门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第等人的进一步完善，在柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到了巅峰，这些作曲家、钢琴家构成了中期浪漫主义的中心。至于马勒、理查德·施特劳斯和拉赫玛尼诺夫等近代名家的作品，则归于晚期浪漫主义音乐。
三、浪漫主义音乐的历史地位
浪漫乐派在音乐史上的地位不言而喻，这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式，是人类艺术史上的一大“宝库”。浪漫主义音乐也是一座桥梁：韦伯接受了格鲁克和莫扎特的传统，传至近代的瓦格纳；舒伯特在器乐方面是贝多芬的继承人，他的浪漫主义艺术歌曲，则是经由舒曼和奥尔夫流传至今；柏辽兹的标题音乐源于贝多芬的《田园》交响曲，其后又与近代法国的印象主义相关联。
业务培养目标：培养具有一定的马克思主义基本理论素养，并具备音乐表演方面的能力，能在专业文艺团体、艺术院校等相关部门、机构从事表演、教学及研究工作的高级专门人才。
业务培养要求：学生主要学习音乐表演的基本理论和基本知识，接受本专业严格的技能训练，具有较高的指挥或演唱(奏)的能力。
毕业生应获得以下几方面的知识和能力：
1．掌握本专业的基本理论、基本知识；
2．掌握音乐作品的分析方法；
3．具有演绎不同风格及体裁的音乐作品的能力；
音乐表演4．了解党和国家的文艺方针、政策和法规；
5．了解本专业及相关学科的发展动态；
6．掌握文献、资料查询的基本方法，具有初步科学研究能力。
主干学科：艺术学
主要课程：表演、音乐技术理论、音乐史、民族民间音乐、重奏(唱)合奏(唱)等。
主要实践性教学环节：包括社会实践和艺术实践等，一般每学期安排1--2周。
修业年限：四年或五年
授予学位：文学学士
相近专业：音乐学、作曲与作曲技术、理论音乐、表演、绘画、雕塑、美术学、艺术设计学、艺术设计、舞蹈学、舞蹈编导、戏剧学表演、导演戏剧、影视文学、戏剧、影视美术、设计、摄影、录音、艺术动画、播音与主持艺术、艺术学、影视学、会展艺术与技术、景观建筑设计、数字媒体艺术。
音乐表演按照风格、曲目、格式等标准的不同，大致可以分类为：
电子后摇
拉丁音乐【Latin】
音乐表演流行音乐【POP】
MV和卡拉ok
影视音乐【Soundtrack】电视原声、电影原声（Movie Soundtrack）
儿歌、胎教【Children's】胎教音乐、儿童歌曲
动漫音乐【comic】
民族音乐【Traditional Music】中国民族乐曲、中国民族歌曲、电子乐（Electronic）、欧美民间音乐
音乐教育【Educational】
舞曲【Dance】
节庆音乐【Holiday】
摇滚乐【Rock】英式摇滚(BRITROCK) 、朋克/新浪潮（PUNK & NEW WAVE）、先锋/实验器乐、视觉摇滚、另类摇滚（Alternative）、金属乐（METAL）、先锋/民族民谣、Indie
乡村音乐【Country】
古典音乐【Classical】：器乐演奏（Instrument）、成人声乐（Mature Vocals）、童生声乐（CHILDREN VOCALS）、歌剧（OPERA）。
民谣【Folk】
轻音乐【Easy Listening】世界音乐（World）、新世纪音乐（New Age）、自然音乐（Nature Music）
嘻哈/说唱音乐【Hip-Hop&RAP】
宗教音乐【Religious 】
其他类别【other】
音乐表演的基本要素是指构成音乐的各种元素，包括音的高低，音的长短，音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合，形成音乐的常用的“形式要素”，例如：节奏，曲调，和声，以及力度，速度，调式，曲式，织体等。构成音乐家的形式要素，就是音乐的表现手段。最基本要素是节奏和旋律。
1、节奏：音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。中国传统音乐称节拍为“板眼”，“板”相当于强拍；“眼”相当于次强拍（中眼）或弱拍。
2、曲调：曲调也称旋律。高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。曲调是完整的音乐形式中最重要的表现手段之一。曲调的进行方向是变幻无穷的，基本的进行方向有三种：“水平进行”、“上行”和“下行”。相同音的进行方向称水平进行；由低音向高音方向进行称上行；由高音向低音方向进行称下行。曲调的常见进行方式有：“同音反复”、“级进”和“跳进”。依音阶的相邻音进行称
为级进，三度的跳进称小跳，四度和四度以上的跳进称大跳。
3、和声：和声包括“和弦”及“和声进行”。和弦通常是由三个或三个以上的乐音按一定的法则纵向（同时）重叠而形成的音响组合。和弦的横向组织就是和声进行。和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用；还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。
音乐表演4、力度：音乐中音的强弱程度。
5、速度：音乐进行的快慢。
6、调式：音乐中使用的音按一定的关系连接起来，这些音以一个音为中心（主音）构成一个体系，就叫调式。如大调式、小调式、中国的五声调式等。调式中的各音，从主音开始自低到高排列起来即构成音阶。
7、曲式：音乐的横向组织结构。
8、织体：多声音乐作品中各声部的组合形态（包括纵向结合和横向结合关系）。
9、旋律：声音经过艺术构思而形成的有组织、有节奏的和谐运动。旋律是乐曲的基础，乐曲的思想感情都是通过它表现出来的。
1．音强
音强就是人们在听闻时感到的响度，也就是通常说的声音的强弱或大、小，重，轻。它是人耳对声音稳弱的主观评价尺度之一。其客观评价尺度也即物理量的测量，是声波的振幅。音强与振幅并不完全一致或成正比，在声频范围的低频段相差很大，高频段也有相当的差别。
音乐表演声频范围也就是人们可以听到的声振动频率范国，为20赫到20千赫。20赫以下称为次声，20千赫以上称为超声。在声频频率范围内，人耳对中频段1～3千赫的声音最为灵敏，对高、低频段的声音，特别是低频段的声音则比较迟钝。人耳还有一种特征，对很强的声音，感觉其响度与频率的关系不大，或者说同振幅的各频率的声音，听起来响度差不多．但对低声级信号（即很轻的声音），感觉到它的响度与频率关系甚大：对于同样振幅的声音，低、高频段的声音听起来响度比中频段的轻。声音振幅愈小，这种现象就愈严重。对1千赫的声音信号，人耳所能感觉到的最低声压为2X10（负4次方）微巴。微巴是声压的单位，，它相当于在1平方厘米面积上具有1达因压力。电声工作者把这一声压称为声压级的0分贝，通常写为O分贝SPL（SPL是声压级的缩写），正如把0。775伏定为在600欧电路中的0分贝一样。不用声压而用以对数表示的“声压级”来表示声音振幅的大小，有明显的好处。这是因为人耳能听闻的声压范围很大，可由2X10（负4次方）微巴到2XlO（负四次方）微巴，相差一千万（1C）倍。对如此大范围的变化，计算很不方便，用声压级表达就比用声压方便多了。另外由于人耳对响度的感觉是非线性的，用对数来计量更接近于人耳的主观特性。当声压级达120分贝SPL时，人耳将感到痛楚，无法忍受，因此，人听闻的动态范国由0～120分贝SPL，在音乐厅中听乐队演奏，音乐的自然动态范围，对大型交响音乐，最响的音乐片段可达115分贝SPL，最弱的音乐片段约为25分贝SPL，因而动态范围可达90分贝。但这是很少有的情况。通常交响音乐的动态范围约为50～80分贝，中、小型音乐的动态范国约在40分贝左右，语言的动态范围约在30分贝左右。 因此，要求家用放音设备能够尽可能地再现：
1〕上述音乐或语言的自然声级动态范围。
2〕音乐或语言的自然声压级。对于家庭内常用的放音音量，平均声压级对音乐来说约为86分贝SPL，对语言则约为70分贝SPL左右。
音高2．音高
音高或称音调，是人耳对声音调子高低的主观评价尺度。它的客观评价尺度是声波的频率。和音强与振幅的关系不一样，音高与频率基本上是一致的。当两个声音信号的频率相差一倍时，也即f2=2f1时，则称f2比f1高一个倍频程。音乐中的1（do）与i，正好相差一个倍频程，在音乐学中也称相差一个八度音。各种不同的乐器，当演奏同样的频率的音符时，人们感觉它们的音高相同，这里指的演奏的声音具有同样的基频。但乐器每发一个音，这个音除了具有基频fo，以外，还有与fo成正整数倍关系的谐波。前面说过，每个音的音高感觉由fo决定，而每种乐器的不同各次谐波成分，则决定乐器特有的音色。乐器中，基音频串范围最宽的是钢琴，由27．5～4136赫。管弦乐、交响乐的基音范围是30～60OO赫。中国民族乐器的基音范围则为50～4500赫。 现代电声学研究说明，乐音的自然频率范围已经超出20～20000赫可闻声频串范围之外，例如某些非洲鼓的基音在次声频频段，而某些中国木管的谐波（泛音）可达25千赫之高。次声信号虽不能为人耳所感闻，但可为人的皮肤所感知。语言画基频在150～3500赫范围内。
音色3.音色
人们除对响度、音高有明显的都别力外，还能准确地判断声音的“色调”。单簧管、圆号虽然演奏同一音高（基频）的音符，但人们能够明确分辨出哪个是单管管，哪个是圆号，而不会混淆。这是由于它们的音色、波形包络不同。音色决定于乐音的泛音（谐波）频谱，也可以说是乐音的波形所确定的。因为乐音的波形（可由电子示波器上看到〉绝大多数都不是简单的正弦波，而是一种复杂的波。分析表明这种复杂的波形，可以分解为一系列的正弦波，这些正弦波中有基频f0，还有与f0成整数倍关系的谐波：f1、f2、f3、f4，它们的振幅有特定的比例。这种比例，赋予每种乐器以特有的“色彩”一?音色。如果没有谐波成分，单纯的基音正弦信号是毫无音乐感的。因此，乐器乐音的频率范围，决非只是基频的频率范围，应把乐器乐音的各次谐波都包括在内，甚至很高次数的泛音，对乐器音色影响仍很大。高保真放声系统要十分注意让各次泛音都能重放出来，这就使重放频串范围至少达15000赫，要求潮的应达20千赫或更高。另外，语言的泛音可达7～8千赫。
波形包络4．波形包络
乐音的波形包络指乐音演奏（弹、吹、拉，拨）每一音符时，单个乐音振幅起始和结束的瞬态，也就是波形的包络。有些乐器，在弹、吹、拉、拨的开始一瞬间，振幅马上达到最大值，然后振幅逐步衰减，有的乐器则相反，在开始的瞬间振奋较小，然后逐渐加大，再逐渐衰减。这些波形包络变化也影响乐器的音色。 显然重放设备也要求有较好的瞬态跟随能力，不然就会引起乐音自然包络的畸变。
音乐表演是一种具有创造性质的艺术活动。这是由音乐艺术本身特点所决定的。为了保留作为音响的音乐，在以往无非采用两种方法：一种是通过表演家的口传身授将音乐流传下去；一种是通过记谱将音乐变为某种乐谱保存下来，供后人演奏。然而，记忆是不可能始终不变的。迄今为止的任何记谱法也不可能将音乐的各种复杂要素都毫无遗漏地全部记录下来。这就使得乐曲的每一次演奏都会带有某种变异。因此，表演艺术家对乐曲的解释就成为关键性的一环。演奏家的这种带有主观能动性的解释，就是一种再创作活动。在以往，再创作活动是通过多次反复演奏而逐步深化的（也有演奏家因多次同样演出而陷入僵化的情况）。20世纪以来，随着录音、广播、电影、电视等公共宣传手段的发展，在录音录像演奏中，只需要一次表演就可满足大量听众的要求。因此，对表演要求尽善尽美，尽可能的完整。在另一方面，却又减少了反复演奏带来的优点，即演奏家现场随机即兴再创作的特色。
音乐表演对于乐曲的解释及再创作，根据时代、民族的不同，大致有自由与严格两种情况。一般来说，西方巴罗克时代以前的音乐以及许多非西方的音乐、允许再创作（或即兴创作）的尺度较宽，其原因或是由于传统的习惯，或是由于记谱法的不够周密。这样，在表演时往往根据记忆或乐谱所提供的音乐基本骨架，进行某种自由而即兴性的补充和发挥。古典时期以后的乐曲，则严格地照谱演奏，即兴创作只限于作曲家所指定的部分，如协奏曲的华彩乐段等。表演的再创作主要体现在对乐曲的处理方式上，如速度（包括自由速度）与缓急法、分句、强弱对比、发声，以及对音乐某些要素(如和声、音色、织体等）的强调或削弱。如果演奏家熟悉某个历史时期音乐的特点，例如对速度术语强弱标记的习惯含义，惯用的装饰音奏法等等，并较忠实地再现乐谱所规定的内容，往往就能体现当时的时代风格，这被称为较严谨的演奏。相反，若做较自由的处理，则会带上本人的习惯及趣味，体现出个人的特点。一般来说，时代风格与个人风格两者的关系如何，因表演艺术家的音乐修养、表现技巧以及个性的不同而有不同层次的差异。
表演艺术家与流派对表演艺术家的要求，因使用的表演手段不同而有所差异。例如对指挥家的要求应包括能组织并激发乐队队员的情绪的能力，而钢琴伴奏家则要善于烘托独唱或发挥独奏家的特点等等。但从大的角度来看，不外乎两个方面：一是具有丰富的艺术修养，能掌握各个历史时期音乐的不同特征及特定的表现手法；二是掌握较高的演奏技巧，可以做到技随心出，挥洒自如。对具体作品则应做到不是机械地再现乐谱上的音符，而要能体现乐曲的丰富内涵，既有时代风格，又有个人的特点。
如果一群表演艺术家对音乐作品的理解相近，表现手法及表演风格比较相通，由于历史或社会的原因，形成了较稳定的表演传统，具备了自己的特色，就可以说是形成了某种表演流派。各民族在各个时期都先后形成了诸多的音乐表演流派，各种流派的特点往往经过音乐教育流传到后世，使音乐文化呈现出绚丽多姿的风貌。在西方，器乐中的钢琴、小提琴及声乐的演唱流派比较突出。在中国，民族器乐中的琴、琵琶以及有关戏曲演唱的流派，都具有特色。近年来，声乐的演唱流派也在逐步形成。
音乐表演西洋乐器：
有调打击乐器：定音鼓（Timpani）、木琴（Xylophone）；
无调打击乐器：小鼓（Snare Drum）、大鼓（Bass Drum）、三角铁（Triangle）、铃鼓（Tambourine）、响板（Castanets）、砂槌（Maracas）、钹（Cymbals）、锣（Gong）。
键盘乐器：钢琴（Piano）、管风琴（Organ）、手风琴（Piano Accordion）、电子琴（Electronic Keyboard）。
铜管乐器：小号（Trumpet）、短号（Cornet）、长号（Trombone）、圆号（French Horn）、大号（Tuba）。
唇鸣类：长笛（Flute）、短笛（Piccolo）；
簧鸣类：单簧管（Clarinet）、双簧管（Oboe）、英国管（EnglishHorn）、大管（Bassoon）、萨克斯管（Saxophone）。
弓拉弦鸣乐器：小提琴（Violin）、中提琴（Viola）、大提（Cello）、倍低音提琴（Double Bass）、电贝司（Electric Bass）；
弹拨弦鸣乐器：竖琴（Harp）、吉它（Guitar）、电吉它（Electric Guitar）。
中国乐器：
（1） 吹奏乐器：笙、芦笙、排笙、葫芦丝、笛、管子、巴乌、埙、唢呐、箫，等。
（2） 弹拨乐器：琵琶、筝、扬琴、七弦琴(古琴)、热瓦普、冬不拉、阮、柳琴、三弦、月琴、弹布尔，等。
（3） 打击乐器：堂鼓(大鼓)、碰铃、缸鼓、定音缸鼓、铜鼓、大锣小锣、小鼓、排鼓、达卜(手鼓)、大钹，等。
（4） 拉弦乐器：二胡、板胡、革胡、马头琴、艾捷克、京胡、中胡、高胡，等。
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钢琴
钢琴是所有乐器中的国王钢琴的琴键所带出的感受有流利畅快之感，力道强。著名的曲子有《致爱丽丝》，《月光曲》等。
小提琴
小提琴是所有乐器中的王后。小提琴的音域广，声音细腻，行云流水，富有感染力。著名的曲子有《梁祝》、《流浪者之歌》等。钢琴和小提琴都适合合奏及协奏曲。
笛子
别称雅号：竹笛；横笛；“横吹”
应用谱号：低音谱号，不移调记谱。
结构组成：是一根比手指略粗的长管，上面开有若干小孔。常见的六孔竹制膜笛 由笛头、吹孔（1个）、膜孔，（1个）、音孔（6个）、后出音孔（1个）、 前出音孔（2个，又名筒音）和笛尾组成。
中国民族特色乐器
中国少数民族以能歌善舞称著于世，创造了各具特色的传统音乐文化。民族乐器，作为音乐文化的载体，造型独特，做工精细，风格古朴，不仅能奏出美妙动人的音乐，而且具有丰富的文化内涵，同时还是令人赏心悦目的民族工艺品。
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| 芦笙 | 木制唢呐 | 葫芦箫 | 八郎孜阔木 | 象脚鼓琴 |
民族乐器大多来自民间，包括吹奏乐器、打击乐器及弦乐器等，多用于少数民族自娱及舞蹈伴奏。有些仍保持其古老风貌，如：回族的埙 、黎族的“打叮咚”、鄂温克族的鹿哨、羌族的羌笛、朝鲜族的奚琴等，堪称音乐文化的活化石，是研究古代音乐文化的重要资料。而蒙古族的马头琴，维吾尔族的木唢呐，苗、侗、瑶、彝等民族的芦笙、葫芦笙，傣族的巴乌等乐器特色鲜明，为各少数民族所独有。
世界著名音乐表演家有：贝多芬、巴赫、莫扎特、舒伯特、萨拉萨特、李斯特、柴可夫斯基、维俄当和布鲁特
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贝多芬(1770──1827)
是史上最著名的音乐家之一，他有着坎坷的人生，因此创作的曲子多是与命运抗争的主题，带着强烈的悲壮色彩。他一生作的交响曲并不多，只有九部，但影响深远。贝多芬出生在波恩，自幼跟父亲学音乐，他的作品有交响曲、钢琴奏鸣曲、小提琴协奏曲、歌剧等，他的交响曲达到了古典主义的最高峰，又开创了浪漫主义之先河。他的九部交响曲中，以第三《英雄》、第五《命运》、第六《田园》、第九《合唱》最为著名。
贝多芬全凭记忆指挥演出
在1818-1820年间，贝多芬完全失去听觉，但他仍顽强地从事创作，用他的心灵创作，在1824年那次著名的演奏会中，他站在乐队前面，既不看面前的乐谱，也听不见琴声，全凭自己丰富的音乐记忆指挥演出。那是他的《第九交响曲》的第一次演奏。这幅画反映的正是贝多芬全凭记忆指挥演出的情景。
巴赫是著名的奏鸣曲作家，他的第一首曲子是在月光下的屋顶上诞生的。曲调欢畅流利，轻盈非凡。
萨拉萨特是浪漫派作家。他的曲子都积极向上，奔放豪迈。
莫扎特，奥地利被誉为“神童”的天才音乐家。他的作品属于古典主义。
舒伯特，奥地利浪漫主义音乐家“歌曲之王”。
李斯特，匈牙利浪漫主义音乐家。
柴可夫斯基，俄国民族乐派音乐家，他给俄国音乐带来了世界声誉。
维俄当和布鲁特追求的是技术技巧，因此他们的曲子一般缺少柔美与情感，但难度高。
1、http://baike.baidu.com/view/5434.htm
2、http://www.top100.cn/MusicType.aspx?des
3、http://www.cycnet.com/encyclopedia/art/music/liupai/0009050022.htm
