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| 古典音乐 |
古典音乐（ClassicalMusic），Classical一词在英文中有“古典的、正统派的、古典文学的”之意。有人认为“古典”给人的感觉有古董、古板的味道，故称“经典音乐”。不同于流行音乐的地方是它内涵深刻，能发人深思，更能使人高尚，免于低俗。朗文辞典对古典音乐的解释为：music that people consider serious and that has been popular for a long time。可见，古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。
古典音乐在演奏时，乐团成员的西装革履、正襟危坐；音乐厅典雅华贵、祥和气氛隆重，让人觉得宛如圣地，但真正的高雅是从旋律中透出来的，严谨完整的结构、优雅曼妙的旋律、丰富而深邃的思想内涵，这才是古典音乐高雅的根源。
说到欧洲古典音乐，不能不提到中世纪伊丽莎白时期，格里高利时期的音乐，其中，占主导地位的是宗教音乐。当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了当时社会的政治与音乐，当时的音乐，只是纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，但是，却对今后的音乐发展起到了重要的作用。
到了1450年，欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治的不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级萌芽，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，也就是在那时，欧洲传统的大小调式逐渐形成。
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| 巴赫 |
当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“乐圣”贝多芬，“神童”莫扎特，以及“交响乐之父”之称的海顿。音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐。
在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法。如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家。音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家。
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| 贝多芬 |
在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，不得不提到拉赫马尼诺夫，马勒等作曲家，他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了象马勒第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用。
时间到了十九世纪末，二十世纪初，音乐又有了突破性的发展，以韦伯恩为开始的作曲家打破十二音作曲法，抛弃了近400年的欧洲调性体系，发明了十二音序列，之后无调性等音乐形式出现，如当时的勋伯格就是代表。在世界大战之后，科技更加发达，人们的思想也更加丰富，出现了电子音乐，以及国家间的文化交流不断融合，产生了更加丰富的音乐形式，更加多元化。
在1945年后的音乐被称为先锋音乐，这时候的音乐已经动摇了人们对音乐的美的看法，也更加理论化，产生了象无声音乐，噪音，微分音等人们无法理解的音乐形式。
“古典（派）的”这一词汇本身包含平衡、节制、简洁和精致的概念。这些概念例如可用于“古典”建筑，但用以表达古典风格还不够贴切，古典风格音乐可以具有暴风雨般的气势和复杂的内容和形式。简而言之，古典风格是指那些可以从18世纪最伟大和最著名的作曲家海顿、莫札特和贝多芬的音乐中听到的风格。
形成古典风格空前绝后特徵的部分原因是历史性的。有一点可以确认，如果古典风格中出现民族化的倾向，就会使18世纪中叶的作曲家们惊讶不已，因为那是到19和20世纪才出现的。虽然他们认识到他们的作品与巴洛克晚期的作品形成强烈的反差，但其渐变过程都比历史的动因更为缓慢。
也许采用奏鸣曲曲式是古典音乐最典型的特徵，这种曲式是许多18世纪末期作品，共同采用组织音乐素材的基本方法，但它作为整整一代的主要曲式，一直使用到古典乐派衰亡之後，并为浪漫主义时期的许多作曲家提供了灵感。
古典作曲家对奏鸣曲形式的描述，从未像现在这样彻底。更重要的是，18世纪中叶的作曲家喜欢运用表达的概念。莫扎特在写给父亲的信中，为他的创作意图提供了一条重要的线索，他当时这样谈到了他的钢琴协奏曲的创作：“极难与极易之间的愉快媒介，它们都是非常辉煌和悦耳的，而且十分的自然流畅。乐曲中不时伸入一些过门，鉴赏家可以从中得到满足；但是这些过门都写得不深奥以免曲高和寡。”通俗易懂正是莫札特音乐生命力所在。
简单易懂的音乐语言发展是与18世纪启蒙运动的思想密切联系。它为了解下列现象必然会发生的原因提供一个线索：即1740年前后，滋生了一种对老学派假定的晦涩传统方法不耐烦的情绪。这种传统方法讲究作曲的对位法技巧，当时的作曲家希望写出一些具有开放和声（和弦中各音位置排列为分散的和聱）的简单乐曲。但是最要紧的是不要混淆古典风格的主流发展。因为到海顿、莫扎特和贝多芬时代，这些革命性的变化已经被音乐语言所吸收：人们可以从海顿早期的交响曲看到这种演变过程，亦可从莫札特的交响曲中看到。而且成熟古典风格还有一个重要特点，就是回归到巴洛克鼎盛时期的对位原理（contrapuntalprinciples）。
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| 韩德尔 |
如果有一个区分古典与巴洛克音乐结构的标准的话，那么肯定就是调高或调性的运用，这是作品中的戏剧性要素。古典乐派作曲家建立了一套运用不同主调之间，对文与平衡的全新表现技巧。例如：海顿四重奏乐章中的大多数新奇感，来自于当听众的注意力被导向希望听到某一确定的调性时，而听到的却是另一调性。还有节奏上的新奇感和旋律上的新奇感，但是表现这类新奇感的重要方法则是透过调性之间的对比来实现。
不必像19世纪的评论家那样产生过分理性化的倾向，但只要抓住这种调性构成的实质，对古典风格的基本推动力就一目了然了。可立即看出它的范围是多么宽广，因为调性配合的可能性范围是非常大的；但它又是有限的，因为丰富的半音和声（chromaticharmony）尚未被开发，半音和声后来速渐发展成主导浪漫主义音乐的一种技巧。
因此，可以看到，古典风格虽然是一种富于表现力的风格，既可以表现强烈和热情的情感，又能表现抒情和丰富的情感，但它始终受到常规的限制。18世纪末期，大作曲家的音乐处于这些常规的制组之下，但又始终遵循这些常规，在这种意义下来理解古典风格比任何形式上的描述都更为重要。
中世纪时期（MedievalPeriod）（1450年前）
这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主，推荐《GREGORIANCHANT》。
巴洛克时期（Baroque）（约为公元1600—1750）
海顿
这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性：华丽、复杂、藻饰、扭曲、著重于超现实和雄伟宏奇，这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代(以及后来的古典时代)代表著井然的秩序和澄澈的表现，那么巴洛克时代(及后来的浪漫时代)就是代表著骚动、不安和疑虑。四声部的和声，以及加上文字指示和弦的「数字低音」(figuredbass)都产生于巴洛克时代；旧有的教会调式消逝，大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起，是巴洛克时代大事。另外，节奏思想也在这个时代萌芽，也就是在音乐曲谱中加入小节线。这些形式日后直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式--如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿(古幻想曲)。
古典主义时期（Classicl）（约公元1750—1820）
因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。此时期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的第一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品，轰轰烈烈的音响俯手可得，如他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。
浪漫主义时期（Romanticism）（约为公元1820—1900）
莫扎特
这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主观感情，对自然景物的表现也愈加突出，创作上对民族和民间音乐的利用更加重视与频繁。19世纪中后期出现了以振兴本民族音乐为己任的民族乐派。在音乐体裁上出现了新的器乐独奏体裁，如夜曲，即兴曲，叙事曲，谐谑曲，幻想曲与无词歌等。此时期作品风情万种，各自独具特色，入门曲目有舒伯特艺术歌曲精选、《美丽的磨坊少女》；萧邦夜曲、钢琴协奏曲第二号；门德尔松小提琴协奏曲、钢琴协奏曲第一、二号；华格纳歌剧序曲集；布拉姆斯交响曲第一、三号；柴可夫斯基小提琴协奏曲第一号、钢琴协奏曲第一号；拉赫曼尼诺夫钢琴协奏曲第二号、《帕格尼尼主题与变奏》；拉罗《西班牙交响曲》；拉威尔钢琴协奏曲G大调。
20世纪的作品有布列顿的《青少年管弦乐指引》、《小交响曲》，斯特拉文斯基的《保钦奈拉》、《彼得洛希卡》，以及普罗科菲耶夫的钢琴奏鸣曲第七号、钢琴协奏曲第一号。在此推荐德国作曲家亨德密特的《韦伯主题交响变奏曲》、《画家马席斯》交响曲，以及美国作曲家科普兰的《马术竞技会》、《一个平凡人的号角》。
（一）由管弦乐团演奏的多乐章形式的乐曲
1.交响曲(Symphony)
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| 巴哈 |
2.大协奏曲(Concertogrosso)：
大协奏曲是巴洛古时期相当盛行的一种乐曲形式，它是一种由一个独奏乐器小组与管弦乐联合演奏的音乐。大协奏曲中的独奏小组通常包括两把小提琴和数字低音（由大键琴及大提琴担任），乐团部份则是由一个小型的弦乐团再加上几支管乐器所构成。大协奏曲的演奏特色在於独奏乐器小组和乐团组在交替演奏的过程中，呈现出一种力度上的对比。
3.协奏曲(Concerto)：
协奏曲，在大多数人的概念中应该都是指「独奏协奏曲」，所以若没有特别强调，则协奏曲这个名称，指的就是独奏协奏。
所谓独奏协奏曲，也就是由单独一件独奏乐器与管弦乐团一起合奏的音乐形式。有的爱乐者以为在整个协奏曲的发展历史上是先有大协奏曲，然后等大协奏曲没落后再由独奏协奏曲登场，替代大协奏曲的位置，这样的观念其实并不完全正确，大协奏曲和独奏协奏曲在巴洛克时期是同时存在的，只是独奏协奏曲的发展比起大协奏曲要来得晚些，而且巴洛克之后大协奏曲逐渐没落，而独奏协奏曲却反而兴盛起来罢了。
4.组曲(SuiteorPartita)：
由组曲这个名称我们可以推知，组曲是由多首曲子所共同组合而成的一种乐曲形式。虽然将组曲放在这一节来讨论，但并不是所有的组曲都是用管弦乐团来演奏，也有不少作曲家曾为独奏乐器谱写过组曲。
（二）由管弦乐团演奏的单乐章形式的乐曲
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| 演奏现场 |
由李斯特所首创的单乐章管弦乐曲。名称用了“交响”两字是因为其乐曲规模以及演奏时所需的乐队编制，都达到与交响曲相同的水平；称其为“诗”，主要是因为它通常都以文学性题材做为创作依据，并且以传达出纯音乐以外的诗意为目标。
2.序曲(Overture)
歌剧或神剧于正式开演前，习惯上都会由管弦乐团先演奏一首器乐曲，这首曲子一般就称之为序曲。不过并不是每一出歌剧都一定有序曲，例如普契尼的著名歌剧《杜兰朵公主》就没有序曲。另外也不是所有的作曲家都将歌剧开场前的音乐称为序曲，例如华格纳的歌剧《罗安格林》以及《崔斯坦与伊索德》第一幕前演奏的器乐曲，华格纳将它命名为前奏曲而不称之为序曲。
3.前奏曲(Prelude)：
在某些情况下，前奏曲和序曲在功能上是相同的，例如华格纳就将他部份歌剧开场前的器乐曲，称为前奏曲，而不叫作序曲，但不管名称如何，它们的功能都是一样的。另外，巴洛克时期的作曲家如韩德尔及库普兰等人，有时也将他们所写组曲中的第一曲题名为前奏曲，在这种情形下，这个前奏曲和巴哈管弦乐组曲中的序曲，在意义上又是相连的。
4.间奏曲(Intermezzo)：
间奏曲的意义，最通俗的解释，是指在歌剧或戏剧每一幕或者幕中不同场景之间，由管弦乐团演奏的器乐短曲。例如马士卡尼的歌剧《乡间骑士》以及比才的歌剧《卡门》中的间奏曲，都是非常著名的例子。另外像是一般爱乐者都很熟悉的名曲《泰绮丝瞑想曲》，其实也是马斯奈歌剧，《泰绮丝》中第一幕第一场与第二场之间的间奏曲。
古典音乐的欣赏不仅仅是对音乐本身的欣赏，更是对音乐所表达的内涵的鉴赏和探索，通过古典音乐的风格和特点可以了解到音乐家的内心世界和个人性格。
1.《外国音乐辞典》
2.《古典音乐欣赏》
3.《音乐圣经》
